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Der Begriff „Art Déco“ bezeichnet einen bedeutenden Kunststil, der vor allem in den 1920er und 1930er Jahren beliebt war. Dieser Stil, der ein breites Spektrum an Kunstformen und Designbereichen beeinflusste, hat eine bedeutende kunsthistorische Bedeutung im Kunsthandel.
Art Deco entstand in einer Zeit des Umbruchs nach dem Ersten Weltkrieg und während der wirtschaftlichen Blütezeit der Zwischenkriegszeit. Der Stil zeichnet sich durch seine Betonung von Eleganz, Luxus, Geometrie und Ornamentik aus. Typische Merkmale sind klare Linien, geometrische Formen, reichhaltige Verzierungen, exotische Einflüsse und die Verwendung hochwertiger Materialien wie Edelmetalle, exotische Hölzer und Edelsteine.
Art Deco hat im Kunsthandel aus mehreren Gründen eine immense Bedeutung:
Sammlerinteresse:
Art Deco war und ist bei Sammlern sehr beliebt. Kunstwerke und Designobjekte im Art-Déco-Stil, seien es Möbel, Schmuck, Gemälde, Skulpturen oder Keramik, sind oft wertvolle Sammlerstücke. Daher haben sie einen hohen Marktwert im Kunsthandel.
Designgeschichte:
Art Deco markierte einen Übergang von den organischen Formen des Jugendstils zu einem modernen, geometrischen Designansatz. Dieser Stil beeinflusste viele Aspekte des Designs, von der Architektur über die Mode bis hin zu Haushaltsgegenständen. Daher ist Art Deco für die Designgeschichte von großer Bedeutung und wird häufig in Museen und Ausstellungen präsentiert.
Einfluss auf die Populärkultur:
Viele Elemente des Art-Déco-Stils haben Eingang in die Populärkultur gefunden und inspirieren weiterhin moderne Designs. Dies trägt zur zeitlosen Aktualität des Stils bei und macht Art Deco zu einem interessanten Thema im Kunsthandel.
Exklusivität und Handwerkskunst:
Art-Deco-Kunstwerke zeichnen sich oft durch hohe Handwerkskunst und Liebe zum Detail aus. Die Herstellung erforderte oft spezielle Fähigkeiten, die heute möglicherweise seltener sind. Dies verleiht den Objekten einen besonderen Wert und macht sie für Liebhaber des Kunsthandwerks attraktiv.
Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die kunsthistorische Bedeutung des Begriffs „Art Deco“ im Kunsthandel darin besteht, dass er einen wichtigen und einflussreichen Stil darstellt, der sowohl kulturell als auch wirtschaftlich von großer Relevanz ist. Die Faszination für Art Deco hält bis heute an und seine Präsenz im Kunsthandel spiegelt die anhaltende Wertschätzung für diesen Stil wider.
Art Deco war ein vielseitiger Kunststil, der viele verschiedene Bereiche des Designs und der Kunst beeinflusste. Hier sind einige Beispiele für Art-Déco-Kunstwerke in den von Ihnen genannten Kategorien:
Möbel:
Art-Déco-Möbel zeichnen sich oft durch klare Linien, geometrische Formen und die Verwendung hochwertiger Materialien aus. Typische Merkmale sind eingelegtes Holz, symmetrische Designs und oft chromverzierte Elemente. Sessel, Tische, Kommoden und Schränke im Art-Déco-Stil sind bei Sammlern und Liebhabern begehrt.
Spiegel:
Art-Deco-Spiegel sind oft groß und eindrucksvoll gestaltet. Sie können klare geometrische Formen, abstrakte Muster oder stilisierte Tier- und Pflanzenmotive aufweisen. Die Rahmen können aus Holz, Metall oder anderen Materialien bestehen und sind oft kunstvoll verziert.
Gemälde:
In der Malerei manifestiert sich der Art-Déco-Stil oft durch flache, vereinfachte Formen, klare Linien und lebendige Farben. Sowohl abstrakte als auch figurative Gemälde können im Art-Déco-Stil gestaltet werden. Zu den Themen können stilisierte Porträts, Stadtansichten, Stillleben und mehr gehören.
Bronzen:
Skulpturen und Kunstwerke aus Bronze im Art-Déco-Stil zeichnen sich durch ihr elegantes Erscheinungsbild und ihre moderne Interpretation traditioneller Motive aus. Sie sind oft abstrakter und geometrischer Natur, wobei häufig menschliche Figuren, Tiere und abstrakte Formen vorkommen.
Glaskunst:
Im Bereich der Glaskunst kann Art Deco in Form von Vasen, Schalen, Lampen und anderen Dekorationsgegenständen zum Ausdruck kommen. Die Formen sind oft eckig und geometrisch, mit klaren und farbigen Glaselementen. Renommierte Glaskünstler wie René Lalique haben diesen Bereich des Art Déco maßgeblich beeinflusst.
In all diesen Kategorien zeichnen sich Art-Déco-Kunstwerke durch ihren unverwechselbaren Stil und ihre unverwechselbare Ästhetik aus. Sie verkörpern die Eleganz, den Glamour und den Sinn für Fortschritt der Zeit, in der der Art-déco-Stil seine Blütezeit erlebte. Heute sind diese Werke nicht nur Kunstobjekte, sondern auch begehrte Sammlerstücke und wertvolles Kulturgut.
Als Klassiker der Moderne zu Beginn des 20. Jahrhunderts überzeugen die Möbel und Einrichtungsgegenstände dieses Stils, der aus der Kunstrichtung „Art Décoratif“ hervorgegangen ist, noch heute durch ihre spektakuläre Material- und Formästhetik.
Die Sammelbereiche, insbesondere in Sachen Tischkultur, erleben einen regelrechten Boom – Messerbänke in verschiedenen Ausführungen sind nach wie vor eine sehr gefragte und beliebte Tischdekoration.
Nachhaltigkeit im Antiquitätenhandel
In der Welt des Antiquitätenhandels sind Geschichte und Handwerkskunst miteinander aufs Engste verwoben.
Dabei spielen Konservierung und Restaurierung gerade bei Möbelstücken ein Herzstück des Handelns mit Antiquitäten.
Die historische Oberfläche und seine historische Bedeutung bewahren den Wert und die Authenzität der Möbel.
In der heutigen Zeit der Transformation spielt die Nachhaltigkeit eine enorm wichtige Rolle.
Ressourcen müssen umweltbewußt eingesetzt werden und eine Wiederverwendung von Möbeln und Kunstgegenständen fördert so immens die Nachhaltigkeit.
Daher sichern Sie mit jedem Antiquitätenkauf die Langlebigkeit dieser kostbaren Kunstwerke und wahren das kulturelle Erbe unserer Welt.
Text Art Deco Möbel | Quelle: Rolf Heyne Art Déco
Möbel und Interieur
Art Déco Möbel kamen im Wesentlichen aus Frankreich und insbesondere aus Paris, in den zwanziger Jahren wurde außerhalb Frankreichs fast nichts Vergleichbares in Gestaltung und Qualität produziert. Die amerikanischen Möbel Schreiner waren eher von deutschen und österreichischen Modernisten inspiriert als von den Beispielen aus den Pariser Salons. Die Wurzeln der Art Déco Möbel sind beim französischen Ancien Regime und in der Arbeit der Kunsttischler des 18. Jahrhunderts wie Riesener, Roentgen und Weisweiler zu suchen. Dieser Vergleich wurde un-ter anderem von Jacques -Emile Ruhlmann und Jules Leleu selbst angeregt.
Nach der überschwänglichen Ära des Jugendstils, in der man der Ansicht war, Möbelbauer seien weit vom bewährten Weg traditionellen französischen Geschmacks abgekommen, schien es ein Bedürfnis, nach einer Rückkehr zur Reinheit der Form und Kultiviertheit zu geben.
Die Gestaltung wurde vereinfacht, geschnitzte Details zurückgenommen. Nun wurde die Harmonie in den ansprechenden Proportionen eines Stuhlbein gesehen oder in der unaufdringlichen Elfenbeinverzierung der Leisten. Die strenge Doktrin des österreichischen Architekten Adolf Loos zu Beginn des 20. Jahrhunderts – Ornament sei mit Verbrechen gleichzusetzen – war vorausschauend gewesen: doch ganz wurde die Dekoration nach den Exzessen des Fin de siècle nicht aufgegeben. Sie blieb integraler Bestandteil der Art- Déco-Möbel. Schönheit im Heim, so wurde argumentiert sei wichtig für das Wohlbefinden des Menschen.
Untersucht man die Stücke aus den Jahren zwischen den Kriegen, lassen sich die Designer der Art Déco Möbel in drei Richtungen unterteilen: Traditionalisten, Individualisten und Modernisten.
Die Traditionalisten übernahmen das Erbe der französischen Kunstschreinerei des 18. und 19. Jahrhunderts.
Jacques – Emile Ruhlmann war der berühmteste und einflussreichste Designer unter ihnen. Zwar wurden viele seiner bekannten Werke vor 1920 entworfen, doch gelten seine Möbel heute als Inbegriff des Art Déco in seiner feinsten Ausprägung, einerseits wegen seiner untadeligen Formen, andererseits, wegen seiner umsichtigen Kombination kostbarster Materialien.
Ebenholz mit seiner pechschwarzen Oberfläche, doppelt poliert, um seine typische Färbung zur Geltung zu bringen, war das Lieblingsholz des Designers, und das führte in den zwanziger Jahren zu einer Knappheit in der Branche.
Kunstschreiner mussten entweder auf Ebenholzfurnier oder andere Hölzer zurückgreifen. Für Ruhlmann und andere war der beliebteste Ersatzstoff Makassar – Ebenholz von der indonesischen Insel Celebes. Weitere wichtige Tropenholz furniere waren brasilianische Jacaranda (Rio Palisander), die oft abwechselnd mit anderen Furnieren verarbeitet wurden : Amarant, Amboina, Mahagoni, Rosenholz und Ahorn. Außerdem konnten diese in Kombination mit Wurzel Holz wie Ahorn oder Esche verwendet werden. Die exotischen Arten – Palm Holz, Calamanda und Zebra Holz – mussten sparsam eingesetzt werden, wenn ihre sehr charakteristische Maserung den Betrachter nicht erschlagen sollte.
Der Möbel Designer des Art Déco erweiterte sein Repertoire gern auch mit anderen Materialien und verlieh seinen Werken, so zusätzlich einen Touch von Opulenz: insbesondere Lack, Galuchat (chagrin), Elfenbein und Schmiedeeisen.
Von diesen überdauerte im Wesentlichen der Lack die Zwanzigerjahre, danach kamen zunehmend industrielle synthetische Lacke in Gebrauch. Galuchat ist die Haut eines kleinen gepunkteten Knorpelfisch: Rochen Leder. Sie konnte ungebleicht verwendet werden, wurde lackiert oder gefärbt, um ihre kernige Oberflächenstruktur zu betonen. Schlangen und Tierhäute, zum Beispiel Pony Fell, wurden auf ähnliche Weise verwendet. Elfenbein, das 1900 im Möbeldesign völlig fehlte, erfuhr eine Renaissance und verzierte und veredelte Schubladen, Sabots, Schlüssellochbeschläge und die schlanken Umrisse eines geschwungenen Möbelbeins. Schmiedeeisen wurde eben ebenfalls wieder benutzt, und seine widerspenstige Masse wurde in der Verwendung für Möbel, Beleuchtungskörper und architektonische Elemente gefügig wie Wachs.
Die Partnerschaft von Süe et Mare wurde 1919 in der Compagnie des Art Français institutionalisiert. Ihre Möbel waren von der Vergangenheit inspiriert, und ihnen galt der Stil von Louis Philippe als der letzte legitime. Mare erklärte 1920: „Er erfüllte Bedürfnisse, die wir immer noch haben. Seine Formen sind so rational, dass der Autobauer, der die Innenausstattung eines Wagens entwirft, sie unbewusst verwendet. Wir betreiben keine Wiederbelebung: wir führen ihn nicht bewusst fort, doch wir finden ihn, wenn wir nach einfachen Lösungen suchen, und dadurch binden wir uns an die Gesamtheit unserer großartigen Vergangenheit. Wir schaffen nicht nur modische Kunst. „
Bei den Sesseln von Süe et Mare waren die Polster mit Aubusson Stoffen überzogen; sie waren mit Quasten verziert und wirkten üppig und einladend. Andere Modelle hätten Barock oder sogar Rokoko sein können.
Leleu war ein noch größerer Traditionalist.
Kennzeichnen. Für ihn waren seine Vorliebe für perfekte Möbelschreinerei, Harmonie, sowie die Verwendung der besten verfügbaren Materialien wie Walnuss, Makassar – Ebenholz , Amboina und Palisander.
Margit, Ian, nie dominierend, waren aus Elfenbein, Galuchat oder Horn.
Lack wurde in den später zwanziger Jahren eingeführt, ebenso Messing und Perlmutteinleger arbeiten. Darauf folgten Rauchglaspaneele und Metallrahmen in den dreißiger Jahren Letztere jedoch nur in begrenzte Maß, da Leleu fand, dass
Diese im Gegensatz zu Holz nicht mit zunehmendem Alter besser wurden.
Die Art Déco-Kunstepoche blühte in den Jahren zwischen den beiden Weltkriegen, also etwa von den 1920er bis in die 1930er Jahre hinein. Sie war eine Reaktion auf den vorherrschenden Jugendstil des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts und entwickelte sich als Antwort auf die sozialen, politischen und kulturellen Veränderungen dieser Zeit.
